静物题材是绘画中重要的绘画题材，尤其是在中国，静物绘画更是学生从高考前就开始学习直到大学，有着广泛的应用性"，在全国各高校，水彩静物更是被列为水彩基础课程，虽然水彩静物是作为基础课程，但是其蕴藏着潜在的能量,"一批有影响力的画家在水彩静物上不断努力和创新才使水彩静物变成了令人瞩目的绘画题材"。刘寿祥就是这样一位画家，他在水彩静物上的突破成为中国水彩画民族化的重要支点"他创作了大量高质量的水彩静物作品，他的水彩静物《鲜果》系列成为代表作，他的水彩静物作品品味优雅，格调深沉，清新雅致，其朴素而博大的风格可以说是中国水彩静物史上的一面旗帜，为中国水彩静物画做出了突出的贡献。刘寿祥老师的水彩静物《鲜果》系列作品中通常是用一块带有红条纹的黑布，再用若干红色或者黄色的鲜果作为点缀。刘寿祥喜欢使用粗纹的老保定水彩纸，在画黑布的时候，他使用的技法是埋色法。他先将黑色的衬布用黑色平刷一遍，待完全干透，再洗去表层浮着的黑色，这样就形成了底层的灰色，将其作为底色使用，等干燥后再用纯黑色在这层灰底上画出布褶的纹理变化和上面的纹饰"这是利用同一个颜色的明度变化表现物体的体积和质感，也是在利用水彩纸的纹理，运用洗的技法和擦的技法来表现粗糙物体的质感和厚重感。利用这种技法来表现衬布的色彩变化和质感是他独特的技法，也是他与众不同的地方。由于衬布是粗糙的质感所以刘寿祥在刻画的时候很少画环境色，而是只表现衬布的明暗和质感"

刘寿祥的水彩静物虽然运用的是写实的手法，但是在色彩上具有很强的装饰性，色彩进行了主观的归纳"他擅长运用黑色和纯色作为对比，在这里传递出了他对中国文化的理解。他的色彩受到中国古楚文化和王肈民的水彩静物的影响，形成了自己的色彩体系。他在 《鲜果》创造构想中写到：“我这几年画静物黑色用的比较多，其实黑色在中国传统绘画里处于主要地位，中国人的欣赏习惯中是能够接受黑色的”当然黑色在水彩画中的运用，得有个转换的过程，因为水彩画属于西画范畴，有层次、光感，还要有静物的质地感，黑色运用的好，可以起到稳定画面的作用，且深沉耐看"我画水彩静物画喜欢先设计颜色，然后再到市场上去找物体填充"

他的画，用较稀薄的丙烯铺大体色，统一画面，形成整体画面效果。再用水彩画颜料深入刻画，丰富画面。 由于水彩画不易覆盖的特性。如有画得不满意的地方很难处理。为了解决这一问题，刘寿祥做了很多尝试，终于找到理想的解决办法。他把国画的宣纸裁成小块，用浆糊遮盖“画坏”的地方，然后用细砂纸轻轻打磨宣纸边缘，让它边缘平整，最后在上面上色，使之与画面融为一体。如在作品《三月》里，在石墙和石狮的处理上大量使用这种方式，据他本人回忆使用了一百多块小宣纸。可当我们欣赏这件作品时，完全无法察觉，“纠错”的技法隐入画面，让人惊叹。

《有红罐的静物》，先用国画颜料做底，冲洗后再画水彩色，鲜果先画固有色再用留白胶遮挡，画完后揭掉形成凹凸的质感。红色瓷罐光泽温润，先画蓝紫色高光，用色造型，一气呵成，红罐前方和左边一列蛇果和一列山竹分别相连排列，有意形成一定角度，每个果子形体、朝向不尽相同，鲜亮的红罐和鲜果统一在紫黑色的衬布，不火不燥。果子提拔主观放大，且细致刻画，增强画面趣味感。红罐在右边，两列相连的鲜活向左边延伸和下垂的深色衬布起到平衡画面的作用，画面对光感的处理精妙，罐子的高光，背景的冷暖色变化，通透，宁静，端庄。衬布边缘线的处理也十分讲究。

《有红罐的静物》

黄铁山所作的这幅《南瓜》作品（图 4），由于南瓜的表面比较粗糙，并且带有纹路，表皮不会有过于强烈的高光，反光也不会那么的细密，并且会受到环境色的影响。画中左边处在暗部的两个南瓜受环境色的影响更深一些，色调也偏冷色调。整个画面在铺置大关系时，可以采用较湿的画法大面积的刷色，这样着色会更加均匀，过渡更加自然。如果是选用纹理较粗的纸张，在用湿画法铺色后，水色会在纸张的纹路上沉淀而形成肌理，使画面更加有质感。

表现物体质感方面具有代表性的水彩画家不得不提到保加利亚的阿塔纳斯·马祖里夫。他是一位现实主义水彩画家，他的水彩作品多以描绘自己的居所及居所周边的事物。在他的水彩作品中，最让人动心的是那对于事物质感的表现力。这幅《面包》（图 5），是阿塔纳斯日常的餐桌场景：长条面包、盛酒的瓶子和高脚杯、木质的餐桌。东西的摆放和构图让材质的美感更加突出，所有物品之间有着强烈的质感对比。面包光滑的表皮、透明的玻璃容器与发皱的白布形成了质感上的对比，从白布到光滑的木质桌面又是一个强烈的对比。色调的统一和谐让物体显得厚重而写实。

塞尚的水彩静物作品中（图 8），他会去主动追求物体的几何体感，让人更加直观地感受到物体的体积和重量感。但为了整体的和谐统一，有时会不去纠结个别物体的完整度。总之，塞尚的作品无处不充斥着他独特的艺术思想，所以，他被称之为现代艺术之父。

从情感方面来说，青年画家陈海宁的水彩静物作品一方面继承了传统水彩画的文人气质，同时又开拓了带有个人情怀的表达方式。在他的作品中，所能看到的不仅是“水彩技巧的教科书”，还有对艺术的坚持。不愿盲目跟风，也不去刻意迎合，只表现自己对绘画的理解。

《三只石榴》、《风味图》（图 10、图 11）是陈海宁具有代表性的两幅水彩静物创作。在画面中，物体轮廓线低调的虚化处理使其与周围的环境和背景融合在一个氛围之下。这种轮廓的毛糙感既增强了画面的厚重感，也摆脱了乏味。陈海宁喜欢描绘所有不起眼但却在角落真实存在的事物，并将它们毫无掩饰的放大到画面当中。就像《三只石榴》，甚至没有较为具象的背景的陪衬，让其从容地出现在观者眼前。这种“以小见大”的手法并没有让作品显得空洞无力，反之，其强烈的反差赋予了主体物新的精神内涵，让平凡的事物有了强烈的象征意义。既是具体，也是超越。笔触稚朴，不禁引起人们的遐思。在表达技巧上，画面经 过了多层的水色覆盖，虽然减弱了透明感，但却使画面更加的沉稳有力。色彩厚重，灰黄的调子营造出了怀旧气氛，我们在其中甚至可以看到陈海宁在现实中可能有过的境遇：来自周 围艺术流派的压力、社会大众的审美导向、以及他在此过程中的挣扎、思考、坚持，仿佛都从他的画面中流淌出来。画中的每件器物，都蕴含着作者的沉思。

在莫兰迪的这些静物作品中，除了大量油画形式的，还有水彩绘制的（图29、图 30）。他尝试用不同的绘画语言来诠释，所选的物体都是造型及其简洁纯粹的器皿。人们几乎会认为这些东西除了能够承载食物还有其它的用处吗，而莫兰迪却将它们视为生活的主角。他努力思考着、探索着，把瓶子置于单纯的描绘之中，不完整和抽象的色块以简单、纯粹的方式营造最和谐的氛围。他的这些以水彩形式描绘的静物，让抽象与具象在水的作用下交错。初看时是简单、纯粹、大小不一的容器，再细细看去，它们似不是真实的事物。更像是被组织在一起的抽象色块儿，质朴、典雅甚至有些稚嫩，但却营生灵动之气。在莫兰迪的画面上，很难看见绚烂鲜艳的色彩，淡淡的颜色乍看很单调，细看会观察到微妙和自然的色阶变化，如呼吸般自然，毫无造作的痕迹。

谈起美国著名的写实派画家安德鲁·怀斯，可能学习水彩画的学者都知道。他的美学观念感染着一代又一代的水彩画创作者，即使已经离世，但他的观念和艺术态度却被许多人传承着。对于“水彩静物画中的情怀展现”这一论题，怀斯的创作无疑是重要的参考资源。怀斯的作品多是对他的家乡——宾夕法尼亚的查兹佛德小村庄的描绘。大片的草地、泥土地中穿梭的溪流、村庄里的好友、房屋的一角，几乎是他创作生涯中的全部主角。却借此，成为了美国最负盛名的画家之一。怀斯的作品总含有一股淡淡的哀伤，色调灰旧，透着浓浓的乡土情调。他以写实的手法描绘着周围的景物，将自己的视觉经验经过想象的处理，创造出独特的个人风格。